Conosci la sensazione. L’orchestra si gonfia. Si alza il sipario. Il cantante si fa avanti e si scatena con una melodia così complessa che sembra sfidare la capacità dei polmoni umani. Questa è l’aria. È il fulcro dell’opera, delle cantate e degli oratori: una linea vocale solista supportata da strumenti, progettata per fermare la trama sul nascere in modo che tu possa semplicemente sentire l’emozione.
Tutto ebbe inizio agli inizi del 1600. L’Orfeo di Claudio Monteverdi (1607) ci ha regalato una delle prime arie strofiche o strofiche. L’idea era semplice: ogni nuova strofa del testo riceveva una variazione melodica sulla prima. Ha preso piede velocemente. Per decenni questo è stato il gioco.
Ma poi è arrivata l’aria del da capo.
Tra il 1650 e il 1775 questo divenne lo standard. La struttura era rigida. Avevi una sezione di apertura con una melodia e un testo specifici. Poi arrivava una sezione centrale che spesso cambiava tonalità, tempo o metro. Poi? Sei tornato all’inizio. Il ritorno della prima sezione non è stata solo una ripetizione. Era una vetrina. I cantanti abbellivano la melodia in modo virtuosistico. Aggiungevano trilli, esecuzioni e note appena umane. Si trattava di mettere in mostra le abilità tecniche più che di portare avanti la trama.
Le opere comiche non hanno mai creduto all’ossessione del da capo. Hanno mantenuto le cose più semplici. Ma nell’opera seria? Le regole iniziarono a crollare intorno al 1750.
Giocchino Rossini e i suoi contemporanei iniziarono ad espandere l’aria. L’hanno trasformato in una scena musicale completa. Una canzone ora potrebbe contenere due o più emozioni contrastanti. I confini si sono sfumati. La rigida struttura in tre parti ha lasciato il posto a qualcosa di più fluido, di più drammatico.
Poi arrivò Richard Wagner.
Wagner abbandonò in gran parte del tutto l’aria. Ha sostituito quei numeri distinti e spettacolari con una trama musicale continua. Non è più necessario interrompere l’azione per un assolo. Solo un flusso ininterrotto di suoni e storie.
L’aria è morta?
No. Non è mai successo.
L’approccio di Wagner ha cambiato il panorama, certo. Ma i compositori non hanno mai smesso di scrivere arie. Hanno semplicemente cambiato il modo in cui si inseriscono nel lavoro più ampio. Oggi li senti ancora. Potrebbero essere più brevi. Potrebbero essere intrecciati in un duetto. Potrebbero non avere un ritorno da capo. Ma sono lì. La canzone solista con accompagnamento strumentale rimane uno strumento fondamentale nel bagaglio operistico. È così che isoliamo il cuore della lotta del personaggio. E finché ci saranno storie che valga la pena cantare, ci saranno arie.
Quindi la prossima volta che ascolti un cantante metti in pausa la narrazione per cantare una nota alta, ricorda la storia dietro di essa. Dalle strofe di Monteverdi al flusso continuo di Wagner. È ancora il modo più potente per far provare qualcosa al pubblico.
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