Dimentica tutto quello che sai su come appaiono gli inseguimenti in macchina in televisione. Se vi siete mai chiesti come uno spettacolo possa filmare una corsa su strada di fondo ad alto rischio a Santa Clarita senza mettere un solo miglio sul contachilometri, la risposta sta in un mix di creatività ostinata ed effetti visivi pesanti.
La nuova serie Fox Drive è un ibrido selvaggio. Unisce l’adrenalina del Gran Premio con la paranoia di una competizione televisiva. La premessa è abbastanza semplice: un gruppo eterogeneo di sconosciuti viene costretto a partecipare a una corsa illegale. Il premio? Trentadue milioni di dollari. La penalità per l’arresto? Morte. È Lost che incontra The Amazing Race, ma con una posta in gioco che conta davvero.
“Abbiamo creato ambienti virtuali, quindi guidiamo senza portare le auto e le persone sulla strada. Una delle caratteristiche dello spettacolo riguarda questo effetto da macchina a macchina che nessuno ha mai visto in TV e nemmeno nei film.”
— Greg Yaitanes, produttore esecutivo
La flotta di veicoli potrebbe suggerire un viaggio grintoso e autentico. Hai una Ford Taurus. Una classica Chevy Impala del ’69. Anche un camion da giardinaggio scassato. Ma nessuna di queste auto lascia il palcoscenico. Gli attori sono sospesi su piattaforme. Fissano schermi verdi. Il viaggio transcontinentale avviene interamente nella pipeline di post-produzione.
Il co-creatore Tim Minear (Firefly, Serenity ) e Ben Queen volevano qualcosa di visivamente distinto. Non volevano i trucchi standard della retroproiezione che dominano la TV. Volevano che l’essenza del cinema degli inseguimenti in auto degli anni ’70 si fondesse con la tecnologia del 2007. Per farcela, hanno coinvolto Zoic Studios, una casa di effetti visivi con cui Minear aveva precedentemente lavorato.
Loni Peristere, supervisore degli effetti visivi di Zoic, ammette che ci è voluto del tempo per decifrare il codice. La sfida non era solo tecnica; era percettivo. Puoi falsificare le astronavi. Puoi nascondere i vampiri nell’ombra. Ma tutti sanno com’è guidare. Non c’è spazio per errori quando il pubblico può individuare una finta rotazione di pneumatici o un’ombra innaturale. Lo sfondo doveva essere reale. Il movimento doveva essere radicato.
Il risultato è quello che Peristere chiama l’effetto “Drive”. È un cambiamento di prospettiva che sembra quasi onnisciente. La fotocamera non è visibilmente vincolata dai rig. Si allontana dalla strada aperta, si tuffa in un primo piano del volto di un personaggio e torna sull’asfalto senza un taglio visibile. Il pilot originale prevedeva una sequenza di apertura di sette minuti con esattamente zero tagli.
È rimasto così? No. Dopo la riscrittura della sceneggiatura e le modifiche al cast, il team ha suddiviso quella gloriosa sequenza in sei segmenti per accogliere i flashback. Peristere adesso ci ride sopra, definendolo “deprimente” per un supervisore degli effetti visivi perdere quella ripresa continua. Ma la tecnica rimane unica. Introduce un nuovo stile di fotografia sul piccolo schermo.
Allora, come hanno fatto a girarlo?
Minear spiega che la troupe di produzione ha posizionato le telecamere attorno a una macchina fotografica sull’autostrada per catturare lastre di sfondo ad alta risoluzione. Queste non erano semplici proiezioni. Erano ambienti reali. Ciò ha consentito alla telecamera virtuale di spostarsi ovunque all’interno dello spazio catturato. Potrebbe insinuarsi nel traffico o infilarsi in un altro veicolo.
Dato che le telecamere fisiche non possono passare attraverso i parabrezza, la produzione ha dovuto riprodurre con precisione le sequenze di acrobazie girate sulla strada aperta quando gli attori tornavano sul palco con lo schermo verde. Ciò ha richiesto attrezzature specializzate e una pianificazione meticolosa.
L’arsenale di Peristere comprendeva una “Caddy Cam”, una Cadillac Escalade dotata di un braccio sulla parte superiore. Questo impianto potrebbe scendere a terra o librarsi sopra le auto. Hanno anche utilizzato obiettivi specializzati per catturare la struttura della strada.
Fondamentalmente, hanno costruito più versioni di ciascun veicolo da corsa. Esisteva una versione “on-the-road” con vetri oscurati per le piastre di sfondo. Poi c’era la versione “sul palco” senza vetro. Ciò ha permesso al team VFX di spostare le telecamere all’interno dell’auto, catturando le performance degli attori senza i problemi di distorsione o riflessione del vetro reale.
È una danza complessa tra realtà e CGI. Ma per gli spettatori che guardano Drive, sembra che le auto stiano effettivamente sfrecciando in tutto il paese. La tecnologia nasconde le proprie cuciture. La gara sembra reale. Il pericolo sembra immediato.
E la parte migliore? In realtà nessuno si è fatto male. Beh, non nel reparto guida. La tensione è tutta nel montaggio.
Peristere non ha semplicemente sollevato i veicoli in aria per spettacolo. Li ha costruiti su quelle che chiama ruote pneumatiche. Questi non sono i tuoi ascensori idraulici standard. Sono piattaforme in acciaio personalizzate dotate di minuscoli aliscafi alla base. Il risultato? Le auto galleggiano. Scivolano con un attrito quasi nullo. Puoi spingere una berlina completamente attrezzata con un solo dito se ci provi davvero.
Questa configurazione ha risolto un enorme problema logistico. Normalmente, non è possibile parcheggiare due auto cinematografiche una accanto all’altra senza che si tocchino o si blocchino a vicenda. Su questi carri i veicoli si librano in modo indipendente. L’equipaggio poteva farli scivolare in qualsiasi direzione con precisione chirurgica. Si muovevano avanti e indietro verso gli attori all’interno senza sforzo. Non si trattava di sospensione. Si trattava di libertà spaziale.
Adattamento allo schermo verde
“Stai guidando un’auto fantasma a 80 miglia all’ora su un set che sembra una gigantesca scatola verde.”
Gli attori hanno dovuto vendere l’illusione di sfrecciare per le strade di Los Angeles seduti in una scatola di metallo fissa. Ryan Gosling e Bryan Cranston non stavano lottando per la trazione sull’asfalto. Stavano lottando per credere nel vuoto.
L’adattamento non è stato solo fisico. Era psicologico.
La guida su schermo verde richiede un diverso tipo di attenzione. In un vero inseguimento, la tua visione periferica cattura detriti, altre auto e lo sfondo sfocato. Qui, lo sfondo è un muro piatto, non illuminato, di stoffa verde. L’unico movimento proviene dal filmato proiettato o dalla vibrazione del simulatore del motore.
Gosling, noto per il suo approccio minimalista, ha dovuto interiorizzare la velocità. Non poteva guardarsi intorno. Doveva fidarsi del sartiame. Se si sporgesse troppo, il lanciatore d’aria si inclinerebbe. Se premesse troppo forte il freno immaginario, la simulazione non corrisponderebbe allo spostamento del suo peso corporeo.
“L’auto non reagisce a te. Devi reagire all’auto che non c’è.”
Questa disconnessione ha creato una tensione unica. Gli attori erano isolati. Non c’erano altre auto nelle vicinanze. Nessun pedone da schivare. Solo la presa sul volante che non girava. L’adrenalina doveva essere creata dalla pura immaginazione e dal rombo viscerale del motore sotto i loro piedi.
È una meraviglia dell’ingegneria, certo. Ma la vera prestazione è avvenuta agli occhi del conducente. Dovevano apparire terrorizzati da una minaccia che non esisteva. Dovevano sembrare euforici per una strada che non c’era. Le rotelle ad aria permettono alle auto di muoversi. Ma ci sono voluti anni di recitazione per far sì che il movimento sembrasse reale.
Il pubblico vede derive fluide e senza peso. Non vedono le pressioni delle dita. Non vedono lo schermo verde che ingoia l’orizzonte. Vedono solo il film. Questo è esattamente ciò che Peristere voleva.
Il passaggio alla produzione virtuale non significa semplicemente stare di fronte a un muro verde. Si tratta di convincere il tuo corpo che ti stai muovendo nello spazio quando in realtà sei fermo. Alcuni membri del cast si sono adattati al green screen più facilmente di altri, riferisce Peristere, che ha diretto o lavorato a stretto contatto con i registi su quelle sequenze.
“Bisogna dare loro un po’ di coaching di guida”, spiega Peristere. “Quando sei sulla strada non è mai dritta e stretta, è sempre sconnessa e fluida. La ruota ha poco cedimento e correggi costantemente la strada. Abbiamo anche insegnato loro che quando guidi guardi sei auto davanti a te e quando succedono cose nelle loro vicinanze devono tenerne conto. ”
“Direi: ‘Non dimenticare che stai guidando una macchina!'”
Il miglior pilota virtuale
Peristere elogia Melanie Lynskey, che interpreta Wendy Pattrakas, una neo mamma in minivan in fuga dal marito violento, come “la migliore autista virtuale del mondo”.
L’ex attrice di Due uomini e mezzo ha imparato a guidare solo tre anni fa.
“Avevo una terribile fobia della guida”, ammette. “Ho vissuto [a Los Angeles] per quattro anni e ho preso i taxi ovunque andassi.”
È difficile immaginare Lynskey navigare nel traffico con la disinvoltura che ha portato sul set dello schermo verde. La sua ansia sembra essere svanita quando le telecamere hanno ripreso la scena.
Intimidatorio ma efficace
Kevin Alejandro, che interpreta il nuovo truffatore Winston Salazar, ha trovato inizialmente intimidatorio il processo dello schermo verde. “ma hanno fatto davvero un ottimo lavoro nel mantenere l’urgenza e nel spiegarci come affrontarla.”
La differenza tra panico e performance spesso dipende dalla guida. Senza di esso, stai solo fissando il verde.
L’arte della deriva sullo schermo verde
“Dopo un po’ ci si abitua, ma è un’abilità acquisita”, riflette Kristin Lehman, che interpreta la riservata Corinna Wiles. “È come qualsiasi improvvisazione”, aggiunge Michael Hyatt, che nei panni di Susan Chamblee è uno dei tre sopravvissuti all’Uragano Katrina che corrono insieme. “Sappiamo tutti come guidare. Lo facciamo solo sul palco.”
Le loro performance e gli altri elementi di ogni scena devono corrispondere perfettamente al filmato precedentemente girato sulla strada. “Dobbiamo abbinare tutto: illuminazione, profondità di campo, nebbia, detriti stradali. Dobbiamo ricreare cose come i riflessi. Tutto è coreografato”, afferma Peristere. Utilizza un programma per computer 3-D chiamato Maya “per pre-visualizzare come sarà la sequenza. Ha costruito l’autostrada, le auto, i personaggi e l’attrezzatura fotografica in modo che questa versione a cartoni animati abbia gli stessi vincoli della camera car sul posto. È come uno storyboard tridimensionale che ci fa sapere cosa è possibile fare, quindi non ci sono sorprese”.
Tuttavia sorgono problemi che devono essere risolti in post-produzione. Questo processo richiede il doppio del tempo rispetto a “Battlestar Galactica”, riferisce Peristere, perché è difficile simulare la vita reale. D’altra parte:
“Possiamo girare 14 pagine di dialoghi al giorno su uno schermo verde e collocare queste persone in luoghi unici che non potrebbero mai raggiungere perché siamo in grado di comporli lì. Se dovessi fare quelle stesse 14 pagine nel mondo reale, ciò significherebbe due giorni e mezzo di fotografie su una strada con carri traino in tutti gli Stati Uniti con la chiusura di strade, trasporti, alloggi e hotel. Se clicchi per un importo di 100.000 dollari al giorno e lo fai due giorni e mezzo in uno, più gli effetti visivi, probabilmente risparmierai dal 30% al 40% in quei giorni. Ci permette di fare di più nel complesso. Ci permette di essere uno spettacolo più grande e di fare uno spettacolo di otto giorni con il carico di lavoro di uno spettacolo di 10 giorni.
La matematica è brutale ma efficiente. Le riprese in location reali per scene di guida ad alto rischio richiedono enormi revisioni logistiche. Non stai solo spostando le telecamere. Stai chiudendo le autostrade. Stai alloggiando le squadre. Stai pagando per gli impianti di traino per inseguire i talenti. Il costo giornaliero raggiunge i 100.000 dollari prima che l’inchiostro sul contratto si asciughi. La composizione degli attori in sfondi digitali elimina questo sovraccarico. Trasforma un viaggio di più giorni in un solo pomeriggio su un palcoscenico.
Questa efficienza cambia il DNA dello spettacolo. Invece di girare otto giorni di riprese per una settimana, il team lavora con un carico di lavoro di dieci giorni. Possono esplorare narrazioni che sarebbero finanziariamente impossibili su un set tradizionale. La limitazione dello schermo verde forza l’innovazione. La libertà dell’autostrada digitale offre vantaggi creativi.
Ma la magia è fragile. Un’ombra non corrispondente. Una riflessione fuori angolo. E l’illusione va in frantumi. Il pubblico potrebbe non sapere perché. Sentono semplicemente che qualcosa non va. Gli attori continuano a guidare. Le auto digitali continuano a muoversi. E gli editori continuano a lavorare tutta la notte per nascondere le cuciture.
La ricerca di location non consiste più solo nel trovare un posto che sembra un set cinematografico. Si tratta di costruire un mondo che sembri reale, anche quando è completamente falso. Il team dietro Drive lo sa meglio di molti altri. Non fanno affidamento solo su ciò che c’è. Creano ciò che non lo è.
Peristere spiega chiaramente il processo. Quando una scena richiede qualcosa di specifico, mandano fuori una piccola unità. Catturano foto da altre parti del paese. Queste immagini diventano la base per i dipinti opachi. È un approccio ibrido. Le foto reali incontrano l’arte digitale.
Nel primo episodio, sono andati a New Orleans durante il Mardi Gras. Il caos e i colori del festival hanno fatto da sfondo. Più tardi, nell’episodio tre, hanno inviato un’unità in Georgia. L’obiettivo era semplice. L’impostazione delle inquadrature doveva essere chiara. Dovevano assicurarsi che il pubblico sapesse che questi personaggi non erano a Los Angeles. I segnali visivi dovevano atterrare.
Il costo del fotorealismo
Alcuni luoghi non esistono affatto nel mondo reale. Il faro nell’episodio di apertura è uno di questi posti. È completamente generato dal computer. Un anno fa, questo tipo di scatto sarebbe stato impossibile. La tecnologia semplicemente non era lì per quel livello di fotorealismo. Non è possibile far volare un elicottero dentro e fuori un ambiente finto senza che sembri un videogioco. Ma la squadra sta usando questi colpi.
“Non vedrete molti di questi scatti perché non sono economici. Ma li stiamo usando”, dice Peristere.
Non stanno buttando via i soldi a caso. Ogni ambiente CG ha uno scopo. Nell’episodio cinque, c’è una telecamera virtuale che sorvola Wendy. Si sta muovendo in una zona rurale in cui non possono filmare. La fotocamera digitale segue i suoi movimenti. Lo sfondo si estende all’infinito. È senza soluzione di continuità.
La prossima sezione esaminerà il confronto tra questi percorsi digitali e i loro concorrenti nel mondo reale.
La tecnologia satellitare e la vera posta in gioco dietro Drive
“Drive” non si basa solo sui trucchi standard delle trasmissioni. Utilizza strumenti all’avanguardia per mappare la posizione effettiva dei concorrenti. La grafica satellitare gioca un ruolo enorme qui.
“Il nostro mondo è il GPS; è un modo per capire dove ci troviamo”, osserva Peristere.
Lo spettacolo ha preso Google Earth come ispirazione diretta. Hanno stretto un accordo con una compagnia satellitare per utilizzare immagini reali. Ma i dati satellitari grezzi non sono sufficienti per la TV. Il team ha dipinto quelle immagini per aumentare la risoluzione in modo che funzionino per la trasmissione televisiva. Fonda la storia in una realtà che riconosciamo.
La prima stagione terminerà con 13 episodi?
Individuare dove atterreranno i personaggi dopo la corsa iniziale è ancora un po’ un mistero. Minear promette un punto di arresto naturale a 13 episodi. Se lo spettacolo viene ripreso, finiranno la prima gara. Non vuole che il pubblico si senta come se avesse perso tempo.
“Dopodiché, ci sono modi per inserire i membri del cast in un’altra razza, dando loro un’altra funzione.”
Il mondo è fluido. Alcune persone stavano lavorando per la gara. Altri potrebbero morire se non si comportano bene. Alcuni perderanno. Alcuni vinceranno. È possibile aggiungere nuove persone in qualsiasi momento. La gara si evolve. I giocatori si evolvono. E le cose per cui lottano possono cambiare completamente.
Perché il progetto pilota è stato demolito
Questa fluidità ha contraddistinto “Drive” fin dall’inizio. Il pilota originale è stato demolito. La maggior parte del cast è stata cambiata. È la stessa storia, ma la affrontano in modo diverso.
Nella versione originale, lo spettacolo iniziava in viaggio. Non ha visitato i mondi da cui provenivano questi personaggi. La nuova versione risolve questo problema. Adesso visitano quelle origini. Questo ci rende più legati emotivamente a chi sono. I personaggi sono molto più chiaramente definiti.
Turni di casting e profondità del personaggio
Guarda i cambiamenti nel roster. Taryn Manning ha interpretato Ellie nel pilot. Ha fatto anche “Hustle & Flow” e “8 Mile”. Ora, Mircea Monroe interpreta Ellie. Manning ha assunto un nuovo ruolo: Ivy Chitty. È un’eroina dell’uragano Katrina e una musicista in difficoltà.
“Abbiamo trovato Taryn molto interessante e volevamo trovarle un posto”, spiega Minear.
Nathan Fillion, noto per “Firefly” e “Serenity”, ha interpretato il ruolo di Alex Tully. È un paesaggista alla ricerca della moglie rapita.
“È Harrison Ford e James Garner messi insieme… un protagonista per eccellenza.”
Fillion riassume Alex come un ragazzo medio costretto a fare qualcosa che non vuole fare. L’ultimatum è terribile. Vinci la gara o sua moglie morirà.
Il passato di Alex verrà rivelato nel corso degli episodi. Ha un ruolo importante nel motivo per cui è stato scelto. E chi lo ha scelto. Ogni personaggio ha una ragione disperata o una ragione misteriosa. Tutto viene fuori col tempo.
C’è qualcosa che ognuno di loro può fare. Non è sempre evidente in superficie.
L’intera configurazione sembra intenzionalmente ombreggiata. È machiavellico per definizione. Burattinai invisibili stanno tirando le fila dietro le quinte, creando una dinamica in cui le alleanze cambiano e le motivazioni rimangono oscure.
“Hai mai visto il film di Michael Douglas The Game?” chiede Minear. “C’è un certo elemento in questo.”
Le persone sono dietro le quinte. Sono alleati o lavorano contro squadre specifiche. Alcuni sembrano benevoli. Altri sembrano i cattivi. I monitor fiancheggiano il percorso e alcune persone sono già nelle loro tasche.
Minear e Queen hanno anche lavorato duramente per evitare di essere troppo influenzati da The Amazing Race. Anche se Minear ammette che ci saranno elementi crossover. Si è appassionato al reality show solo dopo aver visto una serie di DVD.
I Queen trassero maggiore ispirazione dai road movie. In particolare classici come The Gumball Rally e Two-Lane Blacktop. Ma li trovava emotivamente vuoti. Campo di applicazione troppo ristretto.
“Questo è il film sull’inseguimento in macchina che non ho mai visto.”
Zoic Studios di Loni Peristere è impegnato con i film in uscita Pathfinder, Vacancy e One Missed Call. Si sono occupati anche degli effetti visivi per il pilot della Fox TV per The Sarah Connor Chronicles. Peristere ha supervisionato gli effetti visivi del film indipendente One Day Like Rain.
Nathan Filion è co-protagonista insieme a Keri Russell nella commedia romantica indipendente Waitress. La versione limitata è prevista per il 4 maggio.
Kevin Alejandro si destreggia tra due ruoli. È ricorrente nel ruolo di Santos in Ugly Betty. Entro la fine dell’anno apparirà nel film horror Hunter’s Moon e nella commedia Strange Wilderness. “Anche io guido un’Impala del ’69”, osserva.
Melanie Lynskey si unisce al cast della miniserie western della CBS Comanche Moon. La messa in onda è prevista per novembre. Ha anche un cameo nella commedia Big Stan, in uscita ad agosto.
Taryn Manning ha diversi film in cantiere. Questi includono il thriller The Speed of Thought, il film ambientato negli anni ’70 Your Name Here, Jack e Jill vs. the World, una commedia romantica con Freddie Prinze Jr. e il film horror The Last Resort, in uscita ad agosto.
“Sono tutti così diversi, quindi lo stereotipo della ‘Taryn tagliente’ è rotto”, dice.
Manning sta anche lavorando ad un album solista.
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