Vous connaissez le sentiment. L’orchestre gonfle. Le rideau se lève. Le chanteur s’avance et se déchaîne avec une mélodie si complexe qu’elle semble défier la capacité pulmonaire humaine. C’est l’air. C’est la pièce maîtresse de l’opéra, des cantates et des oratorios : une ligne vocale solo soutenue par des instruments, conçue pour arrêter l’intrigue dans son élan afin que vous puissiez simplement ressentir l’émotion.
Cela a commencé au début des années 1600. L’Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi nous offre l’un des premiers airs strophiques ou strophiques. L’idée était simple : chaque nouvelle strophe du texte recevait une variation mélodique de la première. Cela a pris vite. Pendant des décennies, c’était le jeu.
Mais ensuite est venu l’air de da capo.
Entre 1650 et 1775, cela devient la norme. La structure était rigide. Vous aviez une section d’ouverture avec une mélodie et un texte spécifiques. Puis vint une section centrale qui changeait souvent de tonalité, de tempo ou de mesure. Alors? Vous êtes revenu au début. Le retour du premier volet n’était pas qu’une répétition. C’était une vitrine. Les chanteurs embellissaient la mélodie avec virtuosité. Ils ont ajouté des trilles, des courses et des notes à peine humaines. Il s’agissait plus de montrer des compétences techniques que de faire avancer l’intrigue.
Les opéras-comiques n’ont jamais adhéré à l’obsession du da capo. Ils ont gardé les choses plus simples. Mais dans l’opéra sérieux ? Les règles ont commencé à s’effondrer vers 1750.
Giocchino Rossini et ses contemporains ont commencé à développer l’air. Ils en ont fait une scène musicale complète. Une chanson pouvait désormais contenir deux ou plusieurs émotions contradictoires. Les frontières se sont estompées. La structure rigide en trois parties a laissé place à quelque chose de plus fluide, de plus dramatique.
Puis Richard Wagner est arrivé.
Wagner a en grande partie abandonné l’air. Il a remplacé ces numéros distincts et époustouflants par une texture musicale continue. Plus besoin d’arrêter l’action pour un solo. Juste un flux ininterrompu de sons et d’histoires.
L’air est-il mort ?
Non, cela ne l’a jamais été.
L’approche de Wagner a certainement changé le paysage. Mais les compositeurs n’ont jamais cessé d’écrire des airs. Ils ont simplement changé la façon dont ils s’intègrent dans le travail plus vaste. Aujourd’hui, vous les entendez encore. Ils pourraient être plus courts. Ils pourraient être tissés en duo. Ils n’auront peut-être pas de retour da capo. Mais ils sont là. Le chant solo avec accompagnement instrumental reste un outil fondamental dans la boîte à outils de l’opéra. C’est ainsi que nous isolons le cœur du combat du personnage. Et tant qu’il y aura des histoires qui valent la peine d’être chantées, il y aura des airs.
Alors la prochaine fois que vous entendrez un chanteur mettre le récit en pause pour exprimer une note aiguë, souvenez-vous de l’histoire qui se cache derrière. Des strophes de Monteverdi au flux continu de Wagner. C’est toujours le moyen le plus puissant de faire ressentir quelque chose à un public.
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