Ya conoces el sentimiento. La orquesta crece. Se levanta el telón. El cantante da un paso adelante y se suelta con una melodía tan compleja que parece desafiar la capacidad pulmonar humana. Esa es el aria. Es la pieza central de ópera, cantatas y oratorios: una línea vocal solista respaldada por instrumentos, diseñada para detener la trama en seco para que puedas simplemente sentir la emoción.
Comenzó allá por principios del siglo XVII. El Orfeo (1607) de Claudio Monteverdi nos dio una de las primeras arias estróficas o estroficas. La idea era simple: cada nueva estrofa del texto tenía una variación melódica de la primera. Se puso de moda rápidamente. Durante décadas, ese fue el juego.
Pero luego vino el aria de da capo.
Entre 1650 y 1775, este se convirtió en el estándar. La estructura era rígida. Tenías una sección de apertura con una melodía y un texto específicos. Luego vino una sección intermedia que a menudo cambiaba de tono, tempo o compás. ¿Entonces? Volviste al principio. La vuelta del primer tramo no fue una simple repetición. Fue un escaparate. Los cantantes embellecerían la melodía virtuosamente. Agregaron trinos, corridas y notas que apenas eran humanas. Se trataba de mostrar habilidad técnica más que de hacer avanzar la trama.
Las óperas cómicas nunca aceptaron la obsesión del da capo. Mantuvieron las cosas más simples. ¿Pero en la ópera seria? Las reglas comenzaron a fallar alrededor de 1750.
Giocchino Rossini y sus contemporáneos comenzaron a ampliar el aria. Lo convirtieron en un completo escenario musical. Una canción ahora podría contener dos o más emociones conflictivas. Los límites se desdibujaron. La rígida estructura de tres partes dio paso a algo más fluido, más dramático.
Entonces llegó Richard Wagner.
Wagner abandonó en gran medida el aria por completo. Reemplazó esos números distintivos y espectaculares con una textura musical continua. No más detener la acción para un solo. Sólo un flujo ininterrumpido de sonido e historia.
¿Murió el aria?
No. Nunca lo hizo.
El enfoque de Wagner cambió el panorama, sin duda. Pero los compositores nunca dejaron de escribir arias. Simplemente cambiaron la forma en que encajan en el trabajo más amplio. Hoy en día todavía los escuchas. Puede que sean más cortos. Podrían formar un dúo. Puede que no tengan un regreso de da capo. Pero están ahí. La canción solista con acompañamiento instrumental sigue siendo una herramienta fundamental en el conjunto de herramientas operísticas. Así es como aislamos el corazón de la lucha del personaje. Y mientras haya historias que valga la pena cantar, habrá arias.
Así que la próxima vez que escuches a un cantante pausar la narración para cantar una nota alta, recuerda la historia detrás de ello. De las estrofas de Monteverdi al fluir continuo de Wagner. Sigue siendo la forma más poderosa de hacer que la audiencia sienta algo.
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