Vous êtes assis sur le canapé. Votre nouvel écran plasma brille. Vous tournez la chaîne.
Maintenant, vous voyez des gens manger des ragoûts à base d’asticots pour cinquante mille dollars.
Ensuite, les camionneurs naviguent sur les autoroutes glacées de l’Alaska. Ensuite, les experts en style vous disent ce qu’il ne faut pas porter. Les crabes sont pêchés lors d’une violente tempête.
Où sont allés Jerry et Kramer ?
Qui est Laurent ? Et Heidi ? Pourquoi Audrina et Brody sont-ils partout ? Et qui sont ces New-Yorkais et ces gens de Tila Tequila avec leur propre série ?
On a l’impression que le paysage de la télévision a changé du jour au lendemain. La télé-réalité est devenue massive. Mais comment en sommes-nous arrivés là ? Et est-ce que tout cela est réellement réel ?
L’explosion non scénarisée
La télé-réalité a changé. Cela a commencé comme un jeu télévisé radiophonique. Puis vinrent les concours de talents amateurs. Des cascades de caméras cachées ont suivi. Puis des émissions de rencontres. Maintenant, nous avons des séries de type documentaire.
Le genre couvre tout. Drames non scénarisés. Sagas de relooking. Exposés de célébrités. Changements de style de vie. Extravagances de talents.
À l’automne 2007, les heures de grande écoute ont été inondées. Les grands réseaux et chaînes câblées ont diffusé plus d’une douzaine d’émissions de téléréalité. Choisissez n’importe quelle nuit.
Vous pouvez regarder Le plus grand perdant. Vous pouvez écouter Danse avec les stars. Il y a Le monde réel. Vous pouvez regarder I Love New York. La Belle et le Geek existe. Le prochain top model américain est là. Combattant ultime. Le célibataire. La maison de Run. Piste du projet.
Ce n’est qu’une petite liste.
Pourquoi les réseaux l’adorent
La télé-réalité se définit par une chose : elle n’est pas scénarisée.
Il n’utilise pas d’acteurs. Il se concentre sur des événements réels. Situations réelles.
Souvent, c’est un animateur qui dirige le spectacle. Parfois, un narrateur prépare le terrain. Mais contrairement à une sitcom ou à un drame, aucun scénariste ne rédige chaque réplique. Aucun acteur ne mémorise des scripts.
Les producteurs mènent le spectacle. Les éditeurs contrôlent le récit.
Cela rend la production de télé-réalité peu coûteuse. Les réseaux se bousculent. Ils en avaient particulièrement besoin après la grève de la Writers Guild of America en 2007. Les émissions scénarisées se sont arrêtées. Les émissions de télé-réalité ont continué.
Comment il est tourné
La caractéristique déterminante est la caméra.
Certains spectacles se déroulent dans des décors réels avec de vraies personnes. Comme un documentaire. Certains tournent devant un public en studio. Le public participe. D’autres utilisent la surveillance cachée.
La caméra capture tout au fur et à mesure.
Mais qu’en est-il des gens dans les coulisses ?
La salle des écrivains qui ne l’est pas
Les producteurs de segments et les rédacteurs d’histoires construisent le spectacle.
Ils assemblent des storyboards. Ils créent des scénarios de tournage. Ces outils façonnent la direction.
Dans une sitcom, ces gens sont des écrivains.
Dans la télé-réalité, ils ne le sont pas.
Ils ne sont généralement pas reconnus par la Writers Guild of America. Ce ne sont pas des employés syndiqués.
Cette distinction nuit aux travailleurs. Mais ça aide le spectacle.
Coûts de production inférieurs. Cela préserve également l’illusion que le spectacle est réel et non scénarisé.
Cela permet de poursuivre la production pendant une grève des écrivains.
Les membres du personnel des émissions de télé-réalité ont combattu cette classification. Des affaires judiciaires depuis 2005 ont contesté cette distinction.
La bataille continue. Les lignes restent floues.
Nous avons regardé où cela a commencé. Nous avons vu comment cela a évolué.
Mais à quel point est-ce réel, vraiment ?
Bien avant Ice Road Truckers ou A Shot at Love with Tila Tequila, le modèle était déjà défini. Tout a commencé avec This is Your Life. L’émission a fait ses débuts à la radio à la fin des années 1940. Il est passé à la télévision au début des années 1950. Les critiques l’appellent aujourd’hui la première émission de télé-réalité. Pourquoi? Parce qu’il documentait la vie d’une personne réelle. Cela s’appuyait sur de vraies personnes. Ces participants ont été filmés en direct ou sur place devant un public. Le sujet n’avait pas d’importance. Il pourrait s’agir d’un inconnu nommé Joe Schmo ou d’une superstar comme Johnny Cash. Tout le monde a été surpris. Ralph Edwards et son équipe de tournage leur tendaient une embuscade. Ils ont interrompu Cash en plein concert pour lui offrir la surprise.
La formule des talents basée sur le vote
“The Original Amateur Hour” est sorti de la radio en 1948. Il a introduit un format d’émission de talents qui a tout changé. Actes exécutés devant un public votant. L’acte ayant obtenu le plus de votes est revenu la semaine suivante. Cette structure est désormais familière. Le Gong Show l’a utilisé. Star Search l’a utilisé. American Idol y a construit un empire. America’s Got Talent et Dancing with the Stars suivent le même manuel. La mécanique de base reste inchangée. Laissez le public décider qui reste.
La lutte pour les appareils électroménagers
Un autre crossover radio des années 1950 était Queen for a Day. Quatre concurrentes se sont affrontées pour les appareils électroménagers. Ils devaient décrire à quel point leur vie était difficile. Le public du studio a décidé du gagnant. Un applaudimètre mesurait leur soutien. Le gagnant a remporté le prix. Les émissions de téléréalité modernes utilisent encore cette dynamique. 10 ans plus jeune se concentre sur la transformation à travers les difficultés. A Makeover Story met en lumière les difficultés personnelles. Deserving Design est un descendant direct. L’appel est le même. Nous voulons voir la vie s’améliorer grâce à la validation du public.
Réactions réelles aux gags mis en scène
Art Linkletter et Allen Funt ont apporté des farces au petit écran. Ils ont utilisé une surveillance cachée. Le Candid Microphone de la radio est devenu Candid Camera. Allen Funt hébergé. Il a fait des farces. Les gags étaient artificiels. Les configurations étaient fausses. Mais les réactions ont été réelles. Les cibles sans méfiance ne savaient pas ce qui allait arriver. People are Funny de Linkletter a fait participer les membres du public à des sketchs scandaleux. L’humour venait d’une véritable confusion et d’un embarras. Fear Factor a ensuite poussé ce concept à l’extrême. Candid Camera a passé le flambeau à Girls Behaving Badly et Punk’d. La lignée est claire. Fausses situations. De vraies personnes. Un vrai chaos.
Contenu piloté par les spectateurs
Parmi les autres premières émissions de téléréalité, citons I’d Like to See (1948). Vous l’avez demandé a été lancé en 1950. Ces programmes nécessitaient que les membres du public écrivent. Ils votaient pour ce qu’ils voulaient voir. Les sélections ont été filmées. Ils ont utilisé un style documentaire. Les images ont été tournées sur place. Un narrateur a présenté les clips. Ce format a influencé les spectacles ultérieurs. De vraies personnes ont utilisé des techniques similaires. C’est incroyable aussi. Ils étaient populaires à la fin des années 70 et au début des années 80. Le public contrôlait le récit. Les producteurs viennent de filmer le résultat.
Émissions de téléréalité révolutionnaires
Les fondations étaient posées. Chaque émission testait une nouvelle façon de capturer la vie non scénarisée. Le public est devenu producteur. La caméra est devenue le confessionnal. La scène est devenue la rue. Nous avons conservé la mécanique. Nous venons de faire monter les enchères.
Le changement pré-survivant
À la fin des années 60 et dans les années 70, la télé-réalité était principalement composée de jeux télévisés et de concours de talents amateurs. Merv Griffin a continué à tourner avec de nouvelles entrées comme Jeopardy! et Wheel of Fortune. Puis Chuck Barris est entré dans le chat. Il a inventé une nouvelle sorte de jeu télévisé. The Dating Game est sorti sur les écrans en 1965. Il a été joué devant un public en studio. Trois célibataires ou célibataires se sont affrontés pour un rendez-vous avec un concurrent caché derrière un paravent. Cela a engendré des dizaines de copieurs. Barris a surfé sur cette vague dans The Gong Show, un autre succès amateur.
Puis vint 1973. Une famille américaine a été créée. Il s’agissait d’une série documentaire de 12 épisodes. Il a suivi le quotidien de la famille Loud pendant sept mois. Le spectacle n’a pas bronché. Il montrait des ruptures conjugales. Il présentait le style de vie ouvertement gay de Lance Loud. TV Guide l’appelle la première émission de téléréalité. C’était révolutionnaire.
Le paysage s’est à nouveau ouvert en 1988. Les écrivains ont organisé une grève de 22 semaines. Les réseaux se sont brouillés. Fox s’est beaucoup penché sur la programmation de téléréalité. Ils ont créé Cops. Elle est devenue l’une des émissions télévisées les plus anciennes jusqu’en 2020. La série a filmé de véritables appels de réponse et arrestations de la police à travers le pays. Les vidéos domestiques les plus drôles d’Amérique et Les plus recherchés d’Amérique ont également fait leurs débuts à cette époque. Ils sont toujours aussi forts.
L’expérience MTV
Le prochain grand changement a eu lieu en 1992. MTV a lancé The Real World. Mary-Ellis Bunim, une ancienne auteure de feuilletons, a fait équipe avec Jonathan Murray. Il avait une formation dans les actualités et les documentaires. Ils ont lancé un feuilleton branché pour la génération MTV. Les dirigeants du studio l’ont rejeté. Ils ont dit que c’était trop cher. Bunim et Murray ont demandé s’ils pouvaient abandonner le scénario et les acteurs. MTV a dit oui.
Ils ont auditionné des centaines de jeunes âgés de 18 à 25 ans. Ils en ont choisi sept. Ils ont rempli un loft new-yorkais de caméras, de producteurs et d’équipes de montage. Ils ont filmé le groupe pendant trois mois. Le résultat fut un succès immédiat. Cela a donné naissance aux Règles routières. Il a créé la franchise sans fin Real World/Road Rules Challenge.
Huit ans plus tard, Survivor a changé pour toujours la télévision en réseau.
Nous étions en 2000. CBS était assise sur une décision qui allait sans doute remodeler le paysage des heures de grande écoute. Ils ont récupéré Survivor.
Pourquoi alors ? Peut-être qu’ils se préparaient à une grève des écrivains. Peut-être ont-ils vu le succès massif du format en Europe. Ou peut-être étaient-ils simplement fatigués de dépenser une fortune en sitcoms et en drames dont la production devenait de plus en plus coûteuse.
Ce n’était probablement pas qu’une seule chose. C’était probablement un mélange des trois.
Quel que soit le motif, il s’est avéré être l’une des initiatives télévisuelles les plus rentables de l’histoire récente.
Le concept en lui-même n’était pas nouveau. Le producteur britannique Charlie Parsons avait eu l’idée près d’une décennie plus tôt. Mais c’est l’Américain Mark Burnett qui l’a traîné outre-Atlantique. Il n’avait pas eu une période facile. Il a présenté le concept à plusieurs réseaux, dont CBS, et a été rejeté avant de finalement conclure un accord.
La formule qui a brisé Internet
Alors, à quoi ressemblait réellement Survivor ?
Il rassemblait 16 à 20 étrangers. Ils ont été largués sur une île isolée. Il y avait peu ou pas de nourriture. Peu de fournitures. Juste l’animateur, Jeff Probst, les équipes de tournage, les producteurs et un groupe de personnel administratif.
Dès le premier jour, les concurrents ont été divisés en « tribus ». Le spectacle tournait autour de la compétition. Défis physiques. Des énigmes mentales. Manœuvre sociale.
Chaque semaine, la tribu élisait une personne hors de l’île.
Cela a continué jusqu’à ce qu’il ne reste plus que deux personnes. Le gagnant a remporté 1 000 000 $.
Simple, non ?
Cela a fonctionné. La première saison a été diffusée à l’été 2000. Elle a attiré l’une des plus grandes audiences de l’histoire de CBS.
D’autres réseaux ont vu les chiffres. Ils ont paniqué. Ensuite, ils ont copié.
Des groupes d’émissions de téléréalité ont commencé à apparaître sur toutes les chaînes.
Burnett est souvent considéré comme l’instigateur de la révolution de la télé-réalité. Pourtant, il fait toujours référence à Survivor comme à un « drame non scénarisé ». Il n’aime pas l’étiquette « émission de télé-réalité ».
Il a raison.
Les imitateurs et les critiques
La vague créée par Survivor ne s’est pas arrêtée à un seul coup.
Des émissions comme Big Brother, The Mole, The Amazing Race et The Bachelor ont suivi dans son sillage. Chacun a essayé de capturer ce même éclair dans une bouteille.
Mais à quel point étaient-ils réellement « réels » ?
Nous reviendrons sur cette tromperie à la page suivante.
Usurpation du format
Ce n’était qu’une question de temps avant que la blague ne éclate.
Des émissions de télé-réalité ont commencé à apparaître sur les ondes.
The Office est probablement l’entrée la plus reconnaissable du genre. Le faux documentaire sur le lieu de travail a traversé l’Atlantique jusqu’aux États-Unis en 2005. Il a fait suite à une diffusion courte mais très réussie en Angleterre.
D’autres sitcoms réalistes se sont jointes à la mêlée.
- Les garçons du parc à roulottes
- Rassemblés
- Réno 911
- Le Vol des Concordes
Ces émissions ont repris la structure de la télé-réalité et l’ont déformée. Ils ont souligné l’absurdité du format.
La structure de la télé-réalité est devenue une punchline.
Structure de l’émission de télé-réalité
La mécanique de ces émissions n’a jamais été aussi organique qu’on le prétendait.
Les producteurs ont monté des heures de séquences en 42 minutes.
Ils ont créé des conflits qui n’existaient peut-être pas.
Ils ont manipulé la chronologie.
L’étiquette « non scénarisée » était du marketing.
Les téléspectateurs le savaient.
Les participants
Les mécanismes du drame fabriqué
Le rapport entre réalité et fabrication dans ces émissions n’est pas seulement une zone grise ; c’est un modèle économique calculé. Les producteurs ne se contentent pas d’observer. Ils ingénieurs.
Prenez The Real World de MTV. La première saison a été tournée sur trois mois. Cela représente environ 2 160 heures d’images collectées par des caméras fonctionnant 24h/24 et 7j/7. Pourtant, seuls 13 épisodes ont été diffusés. Chacun a duré environ 22 minutes. Nous parlons d’environ six heures et demie de contenu provenant d’une montagne de matières premières. La salle de montage ne se contente pas de réduire le temps. Il construit un récit.
La réalité juridique des résultats truqués
Les allégations d’interférence ne sont pas de simples spéculations sur Internet. Ils se sont retrouvés devant le tribunal.
En 2001, Stacey Stillman, candidate à Survivor, a poursuivi le producteur Mark Burnett et CBS. Son allégation ? Que Burnett a truqué le jeu. Elle a affirmé qu’il avait parlé à deux autres candidats, les exhortant à voter pour elle hors de l’île. Pourquoi? Pour protéger la démographie. Burnett aurait voulu garder Rudy Boesch, 72 ans, dans le jeu pour plaire à un public plus âgé.
Ce n’était pas un incident isolé. Les concurrents de The Apprentice, The Bachelor et Joe Millionaire ont publiquement déclaré que leurs actions avaient été présentées hors contexte. Le résultat était une représentation trompeuse.
Scripts de tournage et Frankenbiting
La télé-réalité utilise rarement des scripts traditionnels. Mais il utilise autre chose. Un script de prise de vue ou un plan est standard. Il détaille des aspects spécifiques d’un épisode.
Dans les émissions en plateau confiné comme Big Brother, le contour peut dicter les pièces ou les caméras sur lesquelles se concentrer. Il propose des défis pour Survivor ou The Amazing Race. Il met en relation des colocataires. Cela force les interactions.
Dans les cas extrêmes, un storyboard est utilisé. Il s’agit d’une représentation visuelle du concept. Il illustre physiquement ce qui va se passer dans une scène.
“Le Frankenbiting peut essentiellement créer des alliances, des béguins, des combats et des relations.”
Les producteurs contrôlent le récit en contrôlant les images. Ils utilisent une technique appelée frankenbiting. Cela édite ensemble des extraits de conversation. Cela crée un tout nouveau dialogue. Un éditeur avisé peut assembler des extraits sonores de différentes époques. Le résultat ressemble à une scène continue. Cela fabrique des conflits.
Le facteur acteur
Les drames scénarisés utilisent des acteurs. La télé-réalité prétend que non. Cela promet des Joes moyens. Cela promet à la fille d’à côté. Ça promet aux geeks.
Mais après les premières saisons de The Real World, Survivor, The Bachelor et American Idol, le modèle a émergé. De nombreux candidats auditionnés étaient des acteurs au chômage. Ou des acteurs potentiels cherchant à passer du temps à l’écran. Ce n’étaient pas de « vraies personnes » au sens traditionnel du terme.
Le public le sait. Ou du moins, ils l’acceptent. Tant que c’est divertissant, personne ne s’en plaint. Les gens continuent de regarder.
Lignes emblématiques qui ont défini le genre
Certaines expressions sont devenues des raccourcis culturels. Ils signalaient un moment de victoire ou de défaite.
- “Souriez, vous êtes devant une caméra cachée !”
- “La tribu a parlé.” (Survivant )
- “Est-ce votre réponse finale ?” (Qui veut gagner des millions )
- “Tu es le maillon le plus faible, au revoir.” (Le maillon le plus faible )
- “Tu vas à Hollywood !” (Idole américaine )
- “Vous êtes viré !” (L’apprenti )
- “Il est temps de couper le gras.” (Le plus grand perdant )
- “C’est chaud.” (La vie simple )
- “Faites que ça marche.” (Piste du projet )
Ce que veulent réellement les téléspectateurs
La popularité de la télé-réalité naît souvent d’une simple illusion. Cela donne l’impression que n’importe qui peut devenir célèbre. Cela suggère que le succès télévisuel est accessible. Ce potentiel de nouveaux niveaux de succès stimule l’audience.
Mais le mécanisme est défectueux. Les producteurs contrôlent le récit. Ils encouragent des comportements spécifiques. Ils insèrent des acteurs dans des décors « réels ». Ils utilisent le frankenbiting pour fabriquer des déclarations dramatiques.
Ce n’est pas mal parce que c’est faux. C’est compliqué car c’est un hybride. Les participants ont peu de contrôle sur leur représentation. Ils sont exploités pour le contenu. La frontière entre observation et création est floue.
Vous surveillez le drame. Les producteurs le fabriquent. Le résultat est une boucle de consommation.
Où est-ce que ça se termine ? La caméra continue de tourner. Les modifications continuent de s’empiler. Le public continue de l’allumer.
